Entre Sombras e Sonhos: A Jornada Angustiante e Inquietante de ‘Seventeen Seconds’ do The Cure

O início da trajetória musical do The Cure é carinhosamente conhecido pelos fãs como a “Trilogia”. Após uma estreia explosiva com Three Imaginary Boys, a banda apresentou uma sequência de álbuns marcantes: Seventeen Seconds (1980), Faith (1981) e Pornography (1982).

Embora esses três discos possam ser vistos como diferentes facetas de uma mesma história, cada um deles merece uma análise minuciosa.

O Surgimento do Pós-Punk

No ano de 1979, a onda do punk estava lentamente se dissipando na Inglaterra. Apesar da revolta e caos associados a esse movimento, Robert Smith aspirava a criar músicas mais ricas e complexas. O The Cure compartilhou o palco com Siouxsie and the Banshees, com Smith atuando temporariamente como substituto do guitarrista. Essa experiência transformadora em turnê alterou sua perspectiva musical. Siouxsie, uma figura influente do pós-punk britânico, dominava as tecnologias disponíveis para moldar o som das guitarras. Smith teve a oportunidade de explorar e experimentar livremente durante esses meses, aproveitando todos os efeitos sonoros possíveis.

Além disso, a influência de David Bowie, notavelmente seu álbum Low, e a atmosfera melancólica dos discos de Nick Drake também tiveram impacto na evolução da música do The Cure.

Chris Parry, diretor artístico da Fiction Records, inicialmente teve dúvidas ao ouvir “Seventeen Seconds”, com sua sonoridade etérea. No entanto, enquanto a revolução da New Wave florescia na Inglaterra, o ramo específico do Cold Wave sofreu uma perda significativa em maio de 1980, com o trágico suicídio de Ian Curtis, líder do Joy Division. Fãs desolados buscavam um novo grupo que pudesse capturar a mesma inquietude e intensidade. Atraídos pelas letras enigmáticas, pela erudição de Smith e pela angústia inerente às músicas, eles se voltaram para o The Cure.

Uma Exploração Controlada

Se a trilogia musical pode ser comparada a uma jornada pelo desconhecido, Seventeen Seconds pode ser resumido como uma peregrinação noturna. Divergindo dos padrões convencionais da época, as composições, em grande parte criadas por Smith, escapam da estrutura reconfortante de verso-refrão-verso. Como se fossem guiadas pela intensidade dos sonhos, elas exploram universos inquietantes.

O The Cure não busca se exibir ou impressionar; pelo contrário, o álbum começa com A Reflection, uma introdução delicada. Essa faixa nos guia por acordes suaves de guitarra, levemente desarmônicos, acompanhados por um piano ansioso. Uma sensação convidativa de viagem se estabelece, e a influência baudelairiana é evidente, especialmente considerando a forte influência dos românticos como Poe e Baudelaire na mente de Smith.

Ao longo do álbum, faixas que poderiam ser consideradas como conectivos contribuem para unir as diversas atmosferas. Secrets, por exemplo, desempenha o papel de dar um respiro entre Play for Today e In Your House. A simplicidade quase assombrosa de Three, combinada com os acordes angustiantes de The Final Sound, forma uma introdução fabulosa para a icônica A Forest. Em um cenário onde a audição aleatória é comum em plataformas como Spotify ou Deezer, Seventeen Seconds exige que nos entreguemos à experiência musical. Devemos colocar nossos fones de ouvido ou até mesmo resgatar um toca-discos antigo e nos permitir imergir.

Imagine ser um adolescente solitário, vivendo em uma típica comunidade-dormitório nas profundezas da Inglaterra. O cenário é cinza e frio, e o mundo da mineração está desaparecendo rapidamente, enquanto as tensões entre gerações são palpáveis. Agora, imagine comprar o álbum Seventeen Seconds e se refugiar em seu quarto para colocar o vinil em um toca-discos. É como entrar em uma era diferente, experimentando uma conexão única com a música.

Um Réquiem para a Angústia

A faixa Play for Today é introduzida pela contemplativa A Reflection. Esta música assume um ritmo mais sóbrio, com a bateria abafada e enérgica de Lol Tolhurst, seguida pelo baixo marcante de Simon Gallup. A guitarra de Smith contribui com contornos irregulares, que se sobrepõem sem uma harmonia clara até que a voz de Smith entre. Sua voz, reconhecível entre milhares, dá forma às melodias, carregando uma abundância de sofrimento. O ego está em destaque na discografia do The Cure, frequentemente expressando sarcasmo diante das preocupações egocêntricas de jovens adultos. Não devemos esquecer que, do outro lado do Canal, a modéstia emocional é uma virtude, enquanto a expressão de dor é vista como uma transgressão.

Dessa forma, Play for Today começa sua herança musical com uma queixa egocêntrica, transmitindo a ideia de que o que se sente é o que mais importa (“It’s just the way I feel that matters”). A palavra “play” aqui não se refere apenas a um “começo”, mas também sugere um “jogo”. Smith zomba das fachadas e máscaras que as pessoas usam, revelando uma ironia britânica ao descrever a hipocrisia nas relações humanas.

Imagine-se abrindo a porta dos fundos de uma casa assombrada e entrando em uma floresta. Introduzida por um longo acorde de sintetizador, seguido por acordes de guitarra distorcidos ecoando ao longe, surge a faixa A Forest. A bateria entra repentinamente, com um som abafado que foi desenvolvido ao longo de várias faixas diferentes. A guitarra retoma o motivo introduzido anteriormente, acompanhando o ritmo acelerado da bateria, aumentando a sensação de ansiedade.

Logo em seguida, o baixo entra novamente, sustentando o ritmo de maneira firme e opressiva. A música assume um ritmo frenético, transmitindo perfeitamente a crescente angústia, enquanto a voz de Smith lamenta. A figura feminina é retratada como fugaz, entre os troncos das árvores, evasiva e indescritível. Estamos sonhando? Será que isso é uma história de um sonho? A voz mencionada por Smith, cujo som abafado o persegue entre as árvores de seu sonho, evoca a figura da floresta como um símbolo do poder do inconsciente, onde desejos e segredos são enterrados. Smith dá vida a essa figura, ciente de sua associação com imagens góticas e seguindo a tradição dos poetas românticos, que buscam explorar os recônditos do inconsciente.

A musicalidade é aprimorada pela seção rítmica impecável e pelas guitarras distorcidas que remontam às raízes do punk, reforçando a urgência da busca, como se fosse um sonho desesperado. A Forest continua a crescer, misturando-se à angústia que a música tece. À medida que o álbum avança, Smith se perde nas camadas de guitarras e ecos, como se estivesse afundando em um poço de angústia. A faixa homônima, que encerra o álbum, apresenta acordes e ritmos cíclicos, como se estivesse girando em círculos sem encontrar saída. A letra descreve o crepúsculo da consciência, rendendo-se à exaustão após uma batalha interior.

Em resumo, Seventeen Seconds estabelece as bases para uma nova era musical, influenciando o surgimento da Cold Wave e a direção do Depeche Mode. Com sua sonoridade gelada e sombria, o álbum se destaca como um exemplo proeminente desse estilo. À medida que a jornada avança, Smith mergulha nas profundezas da angústia, culminando na faixa que compartilha seu nome, uma reflexão sobre o declínio da consciência. O álbum exige atenção e conexão, contrastando com a tendência moderna de audição aleatória, permitindo que os ouvintes se entreguem a uma experiência musical profunda da Trilogia.